Den største skuffen i verden kunne ha vært en kvinnelig lærling til en annen kunstner i rococo Frankrike, eller en renessansetegner som er usynliggjort ved gjenskinn fra en anerkjent mester fra en kraftigere bystat i nærheten, eller en selvutøvende kunstinstruktør som for tiden jobber i Minnesota.
Å velge de 10 beste skuffene gjennom tidene er et salongspill med tvilsom verdi. I stedet bestemte vi oss for å samle antall ganger historiske figurer ble henvist til eller gjengitt i de første 10 utgavene av Drawing magazine og vise dem frem med lysende kommentarer fra en gjennomtenkt arbeidende kunstner og en representant fra en av de mest respekterte kunstinstitusjonene i landet.
Hver av de 10 kunstnerne som er omtalt her tilbyr tegninger av utsøkt skjønnhet; men, viktigere for våre formål, tilbyr hver enkelt innsikt og leksjoner enhver tegner kan bruke. Vi undersøker hvorfor arbeidet til disse individene er så inspirerende.
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci (1452–1519) var kunstens første ubestridelige superstjerne, og hans geni er ubestridelig. Men Ephraim Rubenstein, en kunstner som underviser i Art Students League of New York, på Manhattan, blander beundring for Leonardo med poenget om at selv denne renessansegjengen ikke kom ut av et vakuum.
"Leonardo fikk så mye av Andrea del Verrocchio, som var en enorm lærer, " sier Rubenstein.”Alle kommer ut av en tradisjon; ingen kommer fra ingensteds. Leonardo lærte begynnelsen av sfumato fra [læreren hans], blant mange andre ting.”
Leonardo ble født som uekte sønn av en advokat i den toskanske byen Vinci, Italia, og var en vitenskapsmann, en oppfinner, en pioner i studiet av anatomi og maler av mesterverkene The Last Supper og Mona Lisa - den prototypiske renessansemannen.
Rubenstein omtaler linjene sine som “mykt, delikat og grasiøs. Han gjør ikke noe som ikke har de vakreste kurver.”Men skissebøkene hans er det som gjør Leonardo til en innovatør.
"Han var en av de første gutta som snakket om å ta en notatbok ut i gatene, " forklarer Rubenstein. "Leonardo sa at du må ha direkte kontakt med livet og observere menns handlinger."
ressurser:
- Leonardo da Vinci Master Tegner, av Carmen C. Bambach (Metropolitan Museum of Art, New York, New York)
- Leonardo da Vinci: The Complete Paintings and Drawings, av Frank Zollner og Johannes Nathan (Taschen, Köln, Tyskland)
Michelangelo Buonarotti
Hans sixtinske kapellloft er en av de mest berømte historiene i kunsthistorien, men de som er interessert i tegninger, fokuserer på de mer enn 90 kritt- og blekkverkene Michelangelo (1475–1564) laget for å forberede dette og andre oppdrag.
Noen artister har trukket parallellen mellom dette italienske mesterverket og de fantastiske, muskelbundne formene i tegneserier. Men hvis noen ambisiøs tegner i løpet av de siste 50 årene har nærmet seg den skvalpende menneskelige anatomi i tegneserier med beundring, har han kommet til Michelangelos arbeid med ærefrykt.
"Med sin mestring av maleri, skulptur og arkitektonisk var ingen kunstner - med mulig unntak av Leonardo - mer teknisk begavet, " sier Rhoda Eitel-Porter, leder for avdelingen for tegninger ved Morgan Library, i New York City.
"Hans skikkelser anstrenger seg alltid, " observerer Rubenstein.”De streber etter noe, men er bundet. Alle musklene er spent samtidig, noe som er anatomisk umulig, men dypt poetisk. Michelangelo laget et landskap av menneskekroppen.”
Årsaken er logisk: Michelangelo var en skulptør. Skillet mellom det taktile og det visuelle brytes ned; kunstneren ser og tegner i tre dimensjoner. "Michelangelo [forsto] at en spesiell muskel er eggliknende i karakteren, og han [ville gå] etter den formen med krittet, " sier Rubenstein og påpeker at merkene på tegningene hans i økende grad hinker inn på mer ferdige områder av formen i en måte som paralleller meiselinjene på en uferdig skulptur. Kunstneren plasserte grove luker noen steder, og definerte mer forsiktig krysshatching i andre og polerte tone i de mest ferdige områdene.
Michelangelos arbeid er preget av to andre trekk: hans nærmest fullstendige dedikasjon til den mannlige naken og den allestedsnærværende sensualiteten i kunsten hans. Til og med kvinnelige skikkelser i stykkene hans ble modellert etter menn, og til og med draperiet hans var sensuelt.
"Han kunne si alt han ønsket å si med det mannlige naken, " bemerker Rubenstein. “Han ble ikke distrahert av noe annet - ikke landskap, ikke stille liv, ikke kvinnelige nakenbilder. Med unntak av arkitekturen hans, var Michelangelo monolitisk fokusert på den mannlige naken, og til og med i bygningene hans kunne det lages paralleller til kroppen.”
ressurser:
- Michelangelo Drawings: Closer to the Master, av Hugo Chapman (Yale University Press, New Haven, Connecticut)
- Lessons From Michelangelo, av Michael Burban (Watson-Guptill Publications, New York, New York)
Albrecht Dürer
Albrecht Dürer (1471–1528) er uten tvil den største trykkeriet i historien. Han publiserte mer enn 350 graveringer og tresnitt og fullførte minst 35 oljemalerier, og genererte mer enn 1000 foreløpige tegninger og akvareller i prosessen.
Dürer skapte en rekke kjente og ikoniske trykk, og kunstneren i Nürnberg er høyt respektert og innflytelsesrik blant skuffene. Hans nyanserte skildring av former - ingen enkel bragd med et stivt, utilgivende graveringsverktøy - er grunnen til at mange tegner studerer og undrer seg over arbeidet hans.
"Tegningen hans kommer av en trykksakers følsomhet, " kommenterer Rubenstein.”Han kan ikke legge tone; han må klekkes. Og ingen holder seg på formen med hensynsløshet fra Dürer.”
Han var virtuos, men kanskje ikke nyskapende. "Jeg tror han fikk mye av italienerne, " sier Rubenstein, med henvisning til kunstnerens besøk i Venezia for å se en venn og undersøke kunsten og ideene fra renessanse-Italia. Men talentet hans var ikke bare i utførelsen av teknikken hans. Dürer pakket mye innhold i inngraveringer som Knight, Death og Devil - inkludert to fantomagoriske figurer som fascinerer, men likevel ikke dominerer resten av komposisjonen - men øyet tar lett tak i hovedideen når det ikke blir fest på fantastisk. gjengitte røtter og småstein.
Oppdag kraften i å tegne i vår gratis e-bok med skissertegningstimer. Bare skriv inn e-posten din nedenfor for å begynne å tegne utforskninger av kunstmestere som disse
[fw-capture-inline-kampanje =”RCLP-bekreftelse-blyant-skisse-tegning” takk =”Takk for nedlasting!” interesse =”Kunst” tilbud =”/ wp-content / uploads / pdfs / PencilSketchDrawingGheno.pdf”]
"Du reagerer på intensiteten og tettheten av bildet, " sier Rubenstein.”Dürer [avbildet] bisarrheten av naturfenomener i detalj, men likevel [var] han i stand til å holde den store sammensetningen klar og sterk med alt dette som foregår. Han [visste] at selv i trærnes snygghet, [måtte han] rygge litt for at timeglasset [kunne] komme frem. Han [kontrollerte] så mye - han er som en sjonglør som har 30 baller opp i luften."
ressurser:
- The Complete Engravings, Etchings and Drypoints of Albrecht Dürer, av Albrecht Dürer (Dover Publications, Mineola, New York, New York)
- Albrecht Dürer and His Legacy: The Graphic Work of a Renaissance Artist, av Giulia Bartrum (Princeton University Press, Princeton, New Jersey)
Peter Paul Rubens
Stereotypen har artister som lever en dårlig, bohemsk livsstil, men Peter Paul Rubens (1577–1640) er bevis på at noen kunstnere oppnår enorm suksess. Etter de fleste beretninger var Rubens en respektert, rik og glad kunstner som også samlet antikviteter, oppdretter en stor familie og sikret seg en fredsavtale eller to mens han tjente som diplomat på høyt nivå. Han var en travel handlingsmann, og papir ble aldri krøllet på useriøst vis - nesten alle tegningene hans var foreløpige studier for større kommisjoner.
Man forundrer seg enda mer over de selvsikre, vakre linjene i Rubens tegninger i lys av kunnskapen om at han med sikkerhet ville anse dem som arbeidsdokumenter, uegnet til utstilling. Det som gjør ham spesiell er "hans mestring av krittteknikken", ifølge Eitel-Porter. "Han trengte bare noen få slag for å fremkalle ikke bare figurens stilling, men også dens emosjonelle tilstand."
Den belgiske hoffmaleren demonstrerte faktisk utrolige fasiliteter i tegningene sine, med et snev av bombast. Hånden hans var sikker. "Rubens brukte naturlig robuste, selvsikre merker og flytende gester, " sier Rubenstein, som spesielt beundrer kunstnerens tegninger laget med tre farger kritt. "Rød kritt er vakkert, men det har en begrensning i rekkevidden. Du vil ofte bruke svart kritt og hvit kritt for å øke den ytterligere i hver ende av verdiområdet, " forklarer Rubenstein. "Det er som forskjellen mellom et akkord og en note - som utvider rekkevidden til rød kritt."
ressurser:
- Peter Paul Rubens: The Drawings, av Anne-Marie S. Logan (The Metropolitan Museum of Art, New York, New York)
- Peter Paul Rubens: A Touch of Brilliance, av Mikhail Piotrovsky, (Prestel Publishing, München, Tyskland)
Rembrandt van Rijn
"Han var en arving etter Leonardo ved at han alltid tegnet fra naturen, " sier Rubenstein med referanse til Rembrandt (1606–1669). "Hans gester var så sanne og fulle av liv."
Hvis Rubens var maktmaler og kongsgård, var Rembrandt kunstneren av menneskeheten. Den nederlandske maleren og tegneren, som var begavet med samme evne med linje, hadde evnen til å tegne veldig raskt og til å legge til enkle vasker som effektivt etablerte mørkelysmønstre.
Det utilgivende blekkmediet var ikke til hinder for Rembrandts jakt på øyeblikkets handling; baksiden av konas kappe sveiper overbevisende av trappen i Woman Carring a Child Down Trapper, for eksempel. Mødre og barn var av spesiell interesse for kunstneren, kanskje delvis fordi han mistet tre barn i sin spede barndom; og hans kones død forkortet et lykkelig ekteskap.
"Menneskeheten til tegningene hans … du føler det ikke så gjennomgripende i arbeidet til noen andre, " bemerker Rubenstein. “Han [virket] for å vite hvordan moren [følte] det, hvordan barnet [følte] det - hva som skjer på scenen. Og han [hadde] en spontan, utrolig linje som kunne vise strukturen til noe, og likevel hadde det sin egen kalligrafiske sans.”
ressurser:
- Rembrandts Journey: Painter, Draftsman, Etcher, av Clifford S. Ackley (MFA Publications, Boston, Massachusetts)
- Tegningene av Rembrandt and His School, Vol. Jeg, av Jeroen Giltaij (Thames & Hudson, New York, New York)
- Tegninger av Rembrandt and His School, Vol. II, av Jeroen Giltaij (Thames & Hudson, New York, New York)
Charles Le Brun
Med en fot i både de klassiske og barokke tidene, var Charles Le Brun (1619–1690) en kunstner som fant suksess tidlig og hadde de politiske ferdighetene til å forbli en dominerende skikkelse i det franske hoffet og Académie til veldig sent i livet.
Le Brun var student av Vouet og en venn av Poussin, og komposisjonene hans var bygget på grunnleggende, enkle masser, som i klassisismen. Og likevel kunne figurene hans pusse med energien fra barokkkunsten, som vist i slangeformen i S tudy for Mucius Scaevola Before Porsenna.
Le Brun gjorde mer enn noen gang for å etablere en homogen fransk kunststil i tre tiår på 1600-tallet. Han oppnådde dette gjennom både politikk og maleri - Le Brun grunnla det franske akademiet i Roma, og på 1660-tallet ble alle betydelige kommisjoner antatt som han skulle ta.
De to tegningene som er vist i dette avsnittet illustrerer ably hvordan Le Bruns stil pragmatisk endret seg med tidene - med både kunstnerisk og materiell suksess.”Ett bilde viser den enkle forestillingen om alle former, veldig balansert og posert som en Raphael; og den andre viser en skikkelse som sliter så hardt,”undrer Rubenstein.
"Selv uten indikasjonen på liket, som denne figuren løfter, føler vi hvor stor innsats han må utøve for å holde opp denne tungvekten." Le Bruns kausjonist med tegneinstrumenter var legendarisk; en myte hevdet at denne sønnen til en skulptør begynte å tegne i vuggen.
ressurser:
- Charles Le Brun: First Maler to King Louis XIV, av Michel Gareau (Harry N. Abrams, New York, New York)
- The Expression of the Passions: The Origin and Influence of Charles Le Brun`s Conference sur l'expression générale et particulière, av Jennifer Montagu, (Yale University Press, New Haven, Connecticut)
Edgar Degas
Transformasjonen for en tegner fra å tegne stramme, detaljerte former til løsere og mer gestikulære linjer er en vanlig en, men disse eksemplene viser at denne utviklingen i Hilaire-Germain-Edgar Degas (1834–1917) er spesielt naturlig.
Skjønnhet bebor begge verkene, selv om en typisk seer kanskje ikke forbinder begge verkene med en kunstner. "Han prøvde å feste figuren i de tidlige tegningene, " forklarer Rubenstein, "og i de senere tegningene løsnet han den."
Degas 'muse var ballerina, og bevegelsen og bevegelsene til dans krevde gratis gestikulære skisser. Rubenstein påpeker at selv i kjappe skisser, som Study of a Dancer in Tights, viser Degas sitt geni for komposisjon - knærne berører nesten kantene på papiret, og de negative formene som er dannet av danserens lemmer skaper et kraftig design. Det fine med den spontane komposisjonen forråder års erfaring bak denne studien.
ressurser:
- Degas and the Dance, av Jill DeVonyar og Richard Kendall (Harry N. Abrams, New York, New York)
- Edgar Degas: Life and Work, av Denys Sutton (Rizzoli International Publications, New York, New York)
Vincent van Gogh
Bortsett fra å være den prototypiske sultende kunstneren, var Vincent van Gogh (1853-1890) jordmor for fødselen av abstrakt kunst, slik det fremgår av hans ville vegetasjon. Som maler er han kjent for sin livlige og dristige farge, men risikoen han tok med komposisjonen er kanskje like ansvarlig for hans rykte. For skuffer er van Gogh også viktig for sin markering.
"Van Gogh utviklet et utrolig ordforråd med vasspennen, " sier Rubenstein.”Han [laget] et språk, med alle disse forskjellige merkene: prikker, streker, krøller, lange streker og korte streker. Men fordi han [var] i en slik kontroll, var det [fornuftig]. Han [laget] rytmer. Naturen har ikke disse merkene.”
Sammenligning av Pollard Birches med vill vegetasjon viser den nederlandske kunstnerens vekst fra representativ til nesten fullstendig abstrakt. Overgangen er i mindre grad å se i portrettet The Zouave, der flertallet av ansiktet er avbildet med en slags pointillisme mens spesifikke trekk, som nesen, er dannet med klassiske linjer. "Det er et veldig personlig språk han [kom] på, " kommenterer Rubenstein. "Men merkene i seg selv er fascinerende."
ressurser:
- Vincent van Gogh: The Drawings, av Colta Ives (The Metropolitan Museum of Art, New York, New York)
- Van Gogh: Master Draftsman,, av Sjraar van Heugten (Harry N. Abrams, New York, New York)
Egon Schiele
Østerrikskfødte Egon Schiele (1890–1918) var en dandy tiltrukket av bohemsk klær, en antatt pornograf, en målbevisst narsissist og en av de mest provoserende og entallige tegnerne i moderne tid.
"Sammenlignet med, si, Rembrandt, er det ikke mye rekkevidde, " sier Rubenstein. “Men du vet alltid om noe er en Schiele. Hvordan skjer dette? Det er verdt å tenke på.”
"Alle overdrivelsene hans er gjennomtenkte, " fortsetter Rubenstein. “Forvrengningene hans er på pengene - innrykk av en hofte, hevelsen i haunch, en linje som helt klart er hamstrings. Forvrengningene er basert på veldig nøyaktige anatomiske landemerker. Det er det som gjør dem så urovekkende. Det, og det faktum at skjelettet ofte er veldig til stede.”
Schiele ble ondartet for noen av sine eksplisitte tegninger av mindreårige jenter, men avskjedigelsen av all hans erotiske kunst kan være en feil. Rubenstein påpeker at ikke alle kan oppnå det erotiske med suksess. Schieles kunst utfordrer ikke bare gjennom sitt emne, men også i stillingen til hans subjekter, de vandrende linjene som vibrerer av spenning og de voldsomme fargene han benyttet.
"Se på det røde ved siden av det grønne som renner gjennom figuren i Fighter, " observerer Rubenstein. "Det snakker om noe ubeskrivelig."
Eitel-Porter er enig: "Hans bruk av unaturlige farger og hans gestusbehandling av maling, med synlige streker for å fremheve uttrykk, skiller Schiele."
ressurser:
- Egon Schiele: The Complete Works, av Jane Kallir (Harry N. Abrams, New York, New York)
- Egon Schiele: Tegninger og akvareller, av Jane Kallir (Thames & Hudson, New York, New York)
Käthe Kollwitz
Käthe Kollwitz (1867–1945) så mye lidelse og avbildet den med en empati som sjelden konkurrerte. Mannen hennes var lege for de fattige i Berlin, som sannsynligvis spilte en rolle i hennes sosialistiske sympati.
Å miste sønnen sin i første verdenskrig fikk en lang depresjon. Hun mistet også et barnebarn i andre verdenskrig. Som et resultat, slår hennes hjerteskjærende bilder av mødre som gråter over avdøde spedbarn et gjenklangsakkord.
"Og hun var en så flott tegner, " sier Rubenstein. “Kollwitz kunne gjøre så mye med enkle former. Over her kan det være et par sprø merker som signaliserer hår; og så - boom, du er klinket rett inn i det øyet med noen få sterke linjer.”
Kollwitz var først og fremst grafiker, og begrenset arbeidet i stor grad til svart-hvitt-bilder. "Hennes dristige, grafiske stil reflekterer de underprivilegiges enorme menneskelige smerter og lidelser, " kommenterer Eitel-Porter.”Det er grunnlaget for hennes fagstoff. Verden hun skildrer er tilslørt i skygge; bare sjelden blir innslag av farger introdusert.”
Echoes Rubenstein, “Med så enkelhet, med en slik økonomi av midler, formidlet hun stor sympati. Hun kunne komme med en utrolig menneskelig uttalelse med bare brent tre [kull] på papir.”
ressurser:
- Katalog over det komplette grafiske verket til Käthe Kollwitz, av August Klipstein (Oak Knoll Press, New Castle, Delaware)
- Käthe Kollwitz Drawings, av Herbert Bittner (Thomas Yoseloff, New York, New York)
* Artikkelbidrag av Bob Bahr