Tegning er hjertet
Utkast er grunnlaget for selvuttrykk. Å lære å tegne er den tregeste, men sikreste måten å oppnå mestring i maleriet ditt.
Av Juliette Aristides
Tegning er hjertet og sjelen til kunsten. Det er imidlertid ofte undervurdert og noen ganger til og med fryktet, fordi ellers flittige artister frarådes av engasjementet som kreves. På 1960-, 1970- og 1980-tallet, i kjølvannet av abstrakt ekspresjonisme, neo-ekspresjonisme og moten for montering og installasjonskunst, tegnet alt annet enn forsvunnet fra læreplanen for de fleste kunstskoler. Tegning virket unødvendig, nesten foreldet. Allerede før dette, allerede i 1924, ble det å lære å tegne betraktet som sekundært for å lære å male, noe som er tydelig i denne observasjonen av Harold Speed: “Tegning, selv om den første (i viktighet), er også den siste tingen en maler vanligvis studier. Det er mer i det (tegning) som kan læres og som betaler kontinuerlig anvendelse av innsats”(fra The Practice and Science of Drawing, gjentatt av Dover i 1980).
Farge er umiddelbart fremmende, ja, men formen gleder både sinnet og øyet. Hvorfor er tegning, uansett tema, så viktig? Tenk på et portrett der øynene er feiljustert eller på et landskap der perspektivet er skjevt. Uansett hvilken emosjonell innvirkning maleriet ellers ville hatt, utslettes av en teknisk feil. Speed trodde at tegning kunne læres, og jeg, som lærer for kunstnere, attesterer den sannheten. Hvem som helst kan lære å tegne, men som å spille piano, vil det ikke skje over natten, og det vil ikke skje uten øvelse. Noen artister starter med et anlegg, fordi de har tegnet siden de var barn. På atelieren min ser jeg den slags studenter og jeg ser den andre typen, de som mangler ferdigheter, men er fast bestemt på å prøve. Den andre gruppen gir store gevinster, mens de i den første gruppen sjelden tar risikoen som er nødvendige for å lykkes. De som har disiplinen til å holde ut, blir trente tegnere, som er i stand til å mestre teknikkene til ethvert medium.
Den akademiske tradisjonen
Jeg underviser for tiden min egen atelierklasse ved Seattle Academy of Fine Arts. Læreplanen som jeg har utviklet er streng, i samsvar med den akademiske tradisjonen som startet i verkstedene til renessansekunstnere og blomstret i løpet av 1800- og 1800-tallet, særlig i École des Beaux Arts og Académie Julian. Tidligere århundrer forsto at kunstneren trengte å bli opplært grundig som tegner før han gikk videre til maleri; Ofte var et tiår med å studere tegning ikke ansett som overdreven. Det ble også akseptert at en kunstners ferdigheter måtte kraftig honeres før han eller hun forsøkte å takle det storslåtte emnet for den menneskelige formen. Først etter at kunstneren hadde demonstrert håndverk i å male kaster av figurer og stillebenarrangementer, kunne han eller hun begynne å uttrykke skikkelsens vitalitet og adel. Å male den menneskelige formen krever at kunstneren ikke bare oppnår en likhet, men også å foreslå - med dybde, følsomhet og integritet - hva som ligger utenfor utseendet: sjelen.
Ferdighet forbedrer selvuttrykket
Begynnende artister i dag har blitt fortalt at ferdigheten i seg selv hemmer selvuttrykk. Tvert imot, jeg tror at å lære seg kunstnerens håndverk gjør at du kan uttrykke din egen visjon. Tradisjonelle ferdigheter er det grunnlaget du, kunstneren, jobber fra. Det er håndverk, ikke mangelen på det, som er grunnlaget for selvuttrykk. Omvendt er det å være kreativ uten kunnskap om håndverk som å prøve å dekorere et strukturelt usunt bygg. Det gir ikke mening.
Jeg anser at undervisningen min gir en kunstnerisk arv som ellers ville gå tapt. Når jeg underviser prøver jeg å overføre informasjonen en kunstner trenger på en måte som er forståelig. De komplekse oppgavene med å tegne og male blir mer håndterbare når de blir delt inn i deler.
Tegning er en prosess for forenkling
Det er ikke noe viktigere enn å tegne. Prosessen med å forenkle, utformingen, faller innenfor tegningsområdet. Alt, alle aspekter av kunsten - det vil si proporsjon, verdi og form - men farge faller inn under tegningens domene. Hvis kunstneren først trener som tegner, står hun fritt til å konsentrere seg om farger i stedet for å bekymre seg for å få eller ikke få proporsjonene riktig.
Et av paradoksene ved å lære å tegne er at begynnelsesfasen krever at du ofrer detaljer til fordel for design og gest, mens sluttfasen krever at hvert område av kroppen gjengis, ellers vil arbeidet se generisk og flatt ut. Å lære å tegne tar tid; det krever at du trekker fra livet hver dag. På atelieren min begynner elevene med å fokusere på tegning; mer avanserte studenter går videre til monokromatisk og deretter fullstendig kromatisk maleri. Studentene tegner gipskaster, nakenmodellen og stillebenoppsett; de kopierer også mesterverk. Prosjektene blir stadig mer kompliserte etter hvert som ferdighetene deres, sammen med tilliten til disse ferdighetene, vokser.
Hvordan gå fra tegning til maleri
Det er like mange måter å starte et maleri på som det er temperamenter. Jeg synes det er nyttig å dele maleriprosessen inn i de forskjellige komponentene: komposisjon, tegning, verdi og farge - generelt jobbet med i den rekkefølgen. Grunnlaget er sterk design; en sterk design vil ha innvirkning fra hele rommet. Den neste viktigste komponenten er tegning. Målet mitt er at tegningen skal være både nøyaktig og godt tenkt. Deretter jobber jeg med å forene verdiene slik at de mørke områdene gir en kontekst for lysene. Til slutt fokuserer jeg på farger - både på den lokale fargen og på måten lyset påvirker den lokale fargen.
Jobber i etapper: en kunstners håndverk
Vanligvis bruker jeg flere dager på å jobbe med komposisjonen. Så tegner jeg direkte på lerretet. Jeg avgrenser tegningen med vannet ned permanent India-blekk (slik at neste lag maling ikke vil vaske streken bort), påført med en fin børste. Så gjør jeg en monokromatisk undermaling som etablerer verdiene. Til dette bruker jeg ofte rå paraply blandet med terpentin; denne blandingen kan dekke overflaten på lerretet fullstendig, men blekklinjene vil fremdeles være synlige under det. Jeg trekker lysene ut med en bomullsfag.
Jeg jobber alltid fra generelt til spesifikt. Jeg starter med de bredeste sammenhengene i linje, verdi og farge før jeg fokuserer på de mindre relasjonene innenfor hvert objekt eller innenfor hver del. Ved hjelp av en stor børste blokkerer jeg de generelle fargeforholdene. De fleste kanter går tapt; Jeg er opptatt av å koble objekter.
På dette tidspunktet ser jeg igjen på tegningen. Leser den godt på avstand? Er det en underordnet del av maleriet som får for mye oppmerksomhet? Trenger en kant å gå tilbake eller gå videre? Ofte lager jeg en liste og konsulterer listen når jeg gjør endringer.
Fokuserer til slutt på farger
Nå skal jeg fokusere på en del av maleriet om gangen og bringe hvert område til en ferdig tilstand. Jeg prøver å holde skyggeformene enhetlige og enkle; Jeg gjør dette ved å ikke tillate for mye av en varians av verdi i skyggene. Så konsentrerer jeg min innsats om halvtonene mellom kjernen i skyggen og lysene. Hvis jeg fornemmer en farge, legger jeg den inn - det handler ikke så mye om å se fargen da den fanger et glimt av det fra øyekroken. Jeg stoler på at det vil se riktig ut i sammenhengen. Snarere enn å bruke en farge på et helt område, ser jeg etter fargeforhold. Farge i naturen er enormt variert, svært kompleks og forbausende vakker. Så lenge tegningen og verdiområdet er sterkt, kan farge være et spørsmål om mening. Seeren vil holde tilbake dom over det som virker plausibelt til fordel for det kunstneren skaper.
Lys i mørket
Jeg visste helt fra starten at jeg ønsket å bli kunstner. Jeg vokste opp i Reading, Pennsylvania, en ganske liten by. Foreldrene mine hadde utvandret fra Cape Town, Sør-Afrika, der jeg ble født. Min far var lege og moren min, da jeg var ung, ble hjemme. Vi hadde mange bøker, spesielt en samling av 50 eller 60 monografier av maler. Familien min gjorde en god del reising også, så jeg så mye kunst og faktisk kopierte mange arbeider. Jeg var en stor tilhenger av Rembrandts.
Da jeg var tenåring, ville jeg stille alarmen for klokka 02.00, så jeg kunne være alene og gå i mørket. Jeg hadde lest mye filosofi, og jeg tenkte at det var viktig å kommunisere med naturen, spesielt på den tiden da hele verden virket i søvn. Det er utrolig hvor mye jeg kunne se; Jeg gjorde mye skissering da. Når du er i den alderen, er livet så nytt og du er så levende. Det er som om du ser ting for første gang, som om alt er i brann.
Jeg tror at kunstnere stadig bruker den ungdommelige intensiteten. Etter hvert som jeg har modnet som kunstner, virker arbeidet mitt mer og mer om åpenbaring. Jeg ser på maleri som en opplysningshandling, å arbeide gjennom mørket til lyset. Lys er en stor avslører av ting. Jeg hadde en lærer, Myron Barnstone, som en gang sa til meg: “Graven er for mørke. Spindelvev er for graven. Når du er i live, skal du feire lys.”Denne uttalelsen har resonert meg. Jeg synes det er fascinerende at det er i livet disse øyeblikkene når du innser at noe viktig skjer; at en opplevelse aldri vil bli gjengitt; at den vil visne og bli glemt, aldri bli gjenvunnet - med mindre du maler den. Å ha evnen og ha oppnådd ferdigheten til å male den typen øyeblikk, å registrere den typen åpenbaring, er sinnsykt fantastisk.
Aspekter av håndverk
Tips fra atelieren
1. Tegn fra gipskaster av antikke statuer.
2. Kopier mastertegninger. Denne praksisen vil gi deg muligheten til å studere hvordan mestrene forvandlet naturen med all sin varians, overflod og detaljer til linje.
3. Tenk som en designer. Den største etterligningen er ikke den største kunsten. Når du tegner fra livet, må du se etter hva det er du vil si og fremheve den dominerende karakteren til modellens positur.
4. Arbeid fra det generelle til det spesifikke. Det er lett å bli overveldet av kompleksiteten som finnes i naturen, og det tar erfaring å begynne å sortere ut hva som er relevant ut fra det som er unødvendig.
• Skvis mens du ser på motivet.
• Se gjennom farget glass eller farget acetat for å hjelpe deg med å se linjen.
• Før du begynner å male, kondensere all informasjonen til en liten skisse - for eksempel 3 x 4 tommer. Hvis skissen leser godt fra hele rommet, er du klar til å begynne å male.
Dette er en artikkel fra artikkelen fra The Artist's Magazine (mars 2004). Hvis du likte å lese dette, kan du klikke her for å se flere fantastiske kunstverk og for å lese de andre funksjonene fra 2004.