Jeg snakket med Calvin Goodman, forfatteren av Art Marketing Handbook (Gee Tee Bee Publications, Los Angeles, California), rett etter å ha avsluttet blogginnlegget mitt om å fange en likhet i portrettmaleri. Han oppfordret meg til å påpeke at de fleste kunstnere ikke klarer å formidle sin følelse av lidenskap for menneskene hvis bilder de maler. "Det er for mange stive kopier av fotografier, " sa han. “Bildene er bare mekaniske poster av det kameraet tok opp. De mangler en følelse av motivets følelser eller kunstnerens lidenskap.”
Calvin og jeg snakket litt mer om hva det egentlig betyr for kunstnere å legge til deres personlige, emosjonelle, unike respons på et landskap, stilleben eller portrett. Ofte kommer det gjennom den individuelle stilen til en persons håndtering av pasteller, oljer, akvareller eller tegningsmaterialer; men oftere formidles det av de forskjellige valgene som kunstnere tar om emnene de velger, og måten de engasjerer seerne i utforskninger av disse emnene. Andrew Wyeth ga uttrykk for sine følelser ved å male sparsomme vinterlandskap der ettertenksomme figurer vises alene, mens John Singer Sargent fanget sitt svar på den gyldne alderen med bevegede fremstillinger av elegant kledde adelsmenn. Når vi ser på disse kunstneres malerier, føler vi hva som må ha vært i deres hjerter og sinn.
Det er ikke alltid like lett å si hvorfor en kunstner er i stand til å formidle lidenskapen sin, og en annen ikke. Det er et av de tilfellene der du kanskje ikke kan definere hvorfor noe skjer, men du vet det når du ser det. Jeg tror imidlertid det er måter kunstnere kan øke sannsynligheten for at tegningene og maleriene deres vil uttrykke sin lidenskap. Her er noen forslag som skjedde for meg. Jeg vil sette pris på det hvis du vil legge til noe av ditt eget.
- Mal det du vet. Dette er vanlige råd som tilbys av kunstnere som er profilert i amerikansk kunstner. Forslaget er at hvis du starter med å tegne eller male et emne som du har en sterk tilknytning - et verdsatt objekt, et familiemedlem, utsikten fra vinduet ditt - er det mer sannsynlig at du registrerer hva du føler om det emnet.
- Husk målene dine. Mange av instruktørene i Workshop-magasinet ber elevene skrive ned hvorfor de har bestemt seg for å male et bestemt emne og henvise tilbake til den lappen under hele tegne- eller malingsprosessen. Hvis for eksempel en kunstner lager en notasjon om det skimrende lyset som reflekteres i en krystallskål, kan kunstneren gå tilbake fra maleriet og spørre om det skimrende lyset fremdeles er det mest fremtredende elementet i bildet. Hvis det ikke er det, vet kunstneren at det er på tide å gjøre justeringer i farger, former eller verdier.
- Legg referansemateriale til side. Tegningsmagasinet inneholder ofte kunstnere som utforsker fantasien når de lager trekull, blekk eller Conté-tegninger av dyr, mennesker eller tenkelige steder. De legger til side referansefotografier, forberedende skisser og komposisjonsstudier og lar sinnet og hendene bevege seg fritt fra ett merke på papiret til et annet. Til slutt blir bildet en lidenskapelig blanding av det de vet og hva de drømmer.
- Fortsett å male gjennom utfordringene. Artister som er profilert i Watercolor magazine identifiserer ofte et poeng i den kreative prosessen der de tror alt går galt. Det er ofte fordi de separate lagene med gjennomsiktig farge ikke ser ut til å fungere godt sammen før det aller siste stadiet av maleriprosessen. Rådene disse artistene ofte gir er å jobbe gjennom utfordringene og usikkerhetene i stedet for å gi seg. "Kos deg med alle deler av prosessen, og ikke bry deg om å realisere et forutinntatt bilde i det ferdige maleriet, " sa en erfaren kunstner. "Selv om du ender med å ødelegge maleriet, vil du ha lært noe verdifullt å bruke på neste innsats."
- La noen områder være mystiske. En av tingene jeg beundrer om malerier av Richard Schmid, Daniel Gerhartz, Dawn Whitelaw og Susan Lyon er områdene som er løst definert. Det vil si at rommet rundt et tett gjengitt ansikt eller tallerken er fylt med brede, gestikulerte, dristige streker med maling og utsatte områder på lerretet som antyder hva som kan være der. Jeg føler energien og spenningen i penselarbeidet mens jeg forestiller meg hva som kan skje i den delen av stilleben eller portrettet. Den følelsen av mysterium stimulerer en emosjonell respons som kobles til lidenskapen som bildet ble utviklet med.
- Mal det samme emnet igjen. En av de beste øvelsene som ble presentert i en workshopartikkelartikkel, var å male det samme emnet en gang til. Instruktøren sa at når deltakerne hadde løst de prosessuelle aspektene ved å male en figur eller et landskap - tegningen, komposisjonsarrangementet, fargeblandinger, osv. - de ikke trengte å tenke så mye på disse spørsmålene og kunne fordype seg i handlingen av maleri. Det var fascinerende å sammenligne de to innsatsene, og alle kunstnerne i verkstedet visste at det andre maleriet deres ga bedre uttrykk for sine følelser for emnet.