Stilleben med ni pærer (akvarell, 27 × 38)
Gnott deler arbeidet sitt inn i tre områder: formelle stilleben med mye blonder og vaser; stilleben til kjøkken som inkluderer antikviteter, kule krukker og skalaer; og blomsterstilleben, spesielt pioner. Hun finner gjenstandene sine på eiendomssalg, antikvitetsbutikker og sin favoritt botaniske hage, tar bilder av frukt og blomster og plukker opp gjenstander som vil gi kompliserte detaljer til maleriene hennes. "Favorittmotivene mine er antagelig gamle emaljepotter, blonder og pærer, " sier hun.”Jeg opplever at jo mer detalj du kan komme ut av et emne, jo mer realistisk ser maleriene ut. Når jeg maler emaljeartikler, jo mer hakker og riper brikkene har, jo mer realistiske blir maleriene mine. Blonder er veldig intrikat, og jeg elsker pærer fordi hver og en har en personlighet.”
Fordi det tar så lang tid å fullføre maleriene hennes, maler Gnott bare i atelieret hennes, hvor hun kan kontrollere belysningen og la stille liv stå opp. Når det gjelder prosessen hennes, sier hun, er det ingen fleksibilitet - alt må planlegges veldig godt fra start. "Folk tror du lager dette av hodet, men du kan ikke bare være fri med denne typen malerier, " forklarer Gnott. "Du må utføre visse trinn på en bestemt måte."
For henne betyr det å starte med en veldig stram tegning på Arches 140-lb. kaldpresset akvarellpapir, strukket på en ½ tommers forseglet kryssfiner eller Gatorboard. I så mange lag som hun legger på seg, sier Gnott, 140 lb. papir tørker trommeltett og kan males flere ganger. Deretter gjør hun en veldig detaljert tegning, overfører den til akvarellpapir ved hjelp av grafittpapir, og maskerer forgrunnen objekter med Winsor & Newton maskeringsvæske. Så er det på tide å takle bakgrunnen.
Gnott elsker drama, så maleriene hennes har alltid lyse gjenstander som ser ut til å komme rett ut fra hennes mørke bakgrunn. For å oppnå denne typen påvirkning, jobber hun fra den lyseste fargen til den mørkeste. Hun begynner med å male bakgrunnen og kluten, bygge opp lag til hun oppnår en rik farge. Så fjerner hun maskeringsvæsken fra forgrunnen objekter og maler dem, starter med lette glasurer og bygger seg opp til rikere farger, slik at malingen kan tørke mellom hver applikasjon. Denne vinderteknikken lar henne skape en realistisk tredimensjonal effekt. Hun begynner hvert maleri med store børster og løse slag, og jobber deretter med mindre børster etter hvert som stykket blir strammere, og bruker nr. 00 børster for de fineste detaljene. Når maleriet nesten er ferdig, legger hun høydepunktene til. "Det lille berøret med hvitt får virkelig glasset til å glitre, " sier Gnott.
Keeping it Real: 7-trinns demo for å oppnå realisme
1. Prepping stykket
Jeg er veldig forsiktig med ikke å skade overflaten på akvarellpapiret mitt, så alle tegningene mine er ferdigstilt på et eget papirark. Ved hjelp av grafittpapir overførte jeg tegningen min til 140 lb. Arkerer kaldpresset akvarellpapir og sprayet det deretter med fikseringsmiddel, slik at når jeg tar bort maskevæsken senere, løfter det ikke tegningen min med den.
2. Bli glasert
På dette stadiet påførte jeg Winsor & Newton maskeringsvæske på alle gjenstandene og mønsterelementene på tapetet. Etter at maskeringsvæsken var tørket begynte jeg å sette i farge. Jeg bestemte meg for fargepaletten min før jeg begynte å blande fargene, og jeg påførte fargeprøver på et kvadrat med akvarellpapir i tilfelle jeg trengte å blande mer senere. Så begynte jeg å legge i bakgrunnen min med kummelbørster. Det kan ta alt fra 6 til 10 tynne farger for å oppnå det utseendet jeg ønsker. Jeg tørket hver påføring av farger med en hårføner før jeg la på neste lag. Siden papiret er strukket, strammes det opp igjen når det tørker. Hvis jeg har problemer med å løfte fargen etter flere lag, lar jeg stykket sitte over natten for å tørke. Om morgenen kan jeg med hell legge ned den siste glasuren.
3. Shadows of Color
Deretter opprettet jeg vasker på bordplaten. Etter at jeg la ned den første serien med glasurer, var overflaten mer akseptert av subtile manipulasjoner, så jeg jobbet våt-i-vått for å definere de mørkere områdene. Noen støpte skygger reflekterte fargen på det nærmeste objektet, så i de tilfellene la jeg en subtil mengde av den fargen til skyggeområdet. Etter at alle skygger og støpte skygger var på plass, fullførte jeg bordplaten med å legge inn treskorn. Dette ble gjort på tørt papir, med mer pigment enn vann i børsten.
4. Rydde opp og tørke av
Den generelle teknikken min er å bygge alt sakte opp med tynne farger. Jeg bruker mye tid på å tørke arbeidet; hvert lag må tørke grundig slik at overflaten blir stram igjen før jeg bruker mer farge. Etter at alt er helt tørt, fjerner jeg maskeringsvæsken. Fordi jeg legger væsken på ganske tykk, er det ganske mye opprydding som må gjøres. Det tar mye tid, men det er den eneste måten å bruke bakgrunnsvasker jevnt på uten å male rundt alle gjenstandene.
5. Forblir konsistent
Jeg ønsket å gjøre alle pærer på samme tid for å oppnå et balansert utseende i maleriet mitt. Først la jeg ned de første fargene glasurene - omtrent tre eller fire lag - så begynte jeg å bruke alle de små flekkene og sporadiske riper som gjør en pære til en pære. Jo flere detaljer som dette du kan bruke på maleriet ditt, jo mer realisme oppnår du.
6. Kunsten med fine detaljer
Et av hovedspørsmålene jeg får fra folk som ser på maleriene mine, er "Hvordan får du glasset til å se ut som glass?" Det lille trikset jeg bruker er å legge Dr. Ph. Martins bløtisikre hvitt til den ferdige akvarellen. Jeg påfører den med en liten rund børste og en bomullspinne. Sammenlign Ball-glassene i siste trinn med Ball-glassene i dette trinnet. Ser du hvor flate og uinteressante de fremstår før det hvite går på? Jeg begynte med sukkerposen med å legge skyggene i for å skape alle bretter og rynker. Så påførte jeg de gule tonene, og holdt dem veldig lyse foran på vesken og mer intens etter hvert som fargen fulgte rundt til sidene. For kontinuitet i maleriet mitt, brukte jeg kunstnerisk lisens til å endre den mørkeblå bokstaven på sukkersposen Domino til svart.
7. Gjør det til pop
Emaljegryta var nok det vanskeligste objektet for meg å male i dette stilleben. Det var et stort område med hvitt papir der vaskemaskinene måtte påføres veldig jevn for å stå på egen hånd. Det er også veldig myke skygger på lokket som gjør at det ser ut som en blank overflate. Dette kan være vanskelig. (Det kan være grunnen til at jeg ventet på å gjøre det sist.) Jeg påførte skyggene, tørket dem og deretter brukte en vanlig vannvask for å myke dem opp. Deretter påførte jeg den røde pynten og gnisten av hvitt på lokkets kanter og på håndtakene. Det var da hele saken virkelig dukket rett utenfor siden. Resultatet er Still Life with Nine Pears (akvarell, 27 × 38).
Jacqueline Gnott bor i South Bend, Indiana, med sine to tyske hyrder, Thorn og Brier. Hun fikk en bachelor i kunst fra Indiana University, og arbeidet hennes har blitt omtalt i mange solo- og gruppeutstillinger over hele USA. Hvis du vil se mer av arbeidet hennes eller lære mer om verkstedene sine, kan du gå til Gnott sitt nettsted på www.jacquelinegnott.com.
Ta en titt på en annen flott ressurs om akvarellrealisme, her.
Les resten av "Hennes beste maleri ennå" i mai 2006-utgaven av The Artist's Magazine.
FLERE RESSURSER FOR ARTISTER
• Se kunstverksteder på forespørsel på ArtistsNetwork. TV
• Online seminarer for fine artister