Joseph McGurl vokste opp under sin talentfulle fars kunstneriske veiledning mens han dyrket en lidenskap for båtliv og en kjærlighet til havet. Denne tidlige innflytelsen, kombinert med mange års hardt arbeid og praksis, har gjort ham til en av dagens fremste landskapsmalere, og i dette intervjuet deler han sin kunnskap, erfaring og innsikt i kunsten å male natur.
Sun Main Coast av Joseph McGurl, 2008, oil, 18 x 24. Courtesy Tree's Place, Orleans, Massachusetts. |
Intervju av Allison Malafronte
Amerikansk kunstner: Snakk litt om kunsttreningen din, spesielt den innflytelsesrike rollen faren din spilte i å inspirere deg til å bli kunstner
Joseph McGurl: Jeg burde forordne svarene mine ved å si at jeg vet at mange artister vil være uenige med noe av det jeg sier. Dette er bra og som det skal være. Hvis alle var enige i mine synspunkter, ville alle male som meg, og kunsten ville være veldig kjedelig.
Siden jeg var omtrent 5 år gammel, visste jeg at jeg ønsket å bli kunstner. Dette var sannsynligvis fordi faren min var en, og det virket naturlig, og jeg likte å tegne. I tillegg til å være et forbilde, hjalp min far meg med å rette tegningene mine når jeg ikke kunne se hvorfor de ikke så bra ut. Som tenåring hjalp jeg ham med arbeidet hans, som inkluderte maling av veggmalerier, marmorering, sjablong, statuemaling, tresortering, dekorativt maleri, arkitektonisk gjengivelse, monumentdesign og stort sett alt som har med maling å gjøre. Jeg malte for det meste i bakgrunner, renset pensler, blandet maling og utførte andre tilknyttede oppgaver. I en tidlig alder ble jeg også komfortabel med å bruke maling og utnytte de tilhørende kvalitetene. Sannsynligvis den mest dyptgripende effekten min far hadde på meg, var hans dedikerte arbeidsmoral. Han måtte finne ut en måte å forsørge en familie på syv og klarte å gjøre det av talentet og hardt arbeid. Vi jobbet lange dager.
Gjennom tenårene deltok jeg på lørdagskurs på Museum of Fine Arts, Boston under Ralph Rosenthal. Han var et annet forbilde som blant mange andre ting lærte meg å analysere det jeg tegnet eller malte for bedre å forstå det og fremstille det på en mer overbevisende måte, noe som var viktig for meg. Jeg gikk på Massachusetts College of Art and Design og ble uteksaminert med hovedfag i utdanning og maleri. Det var virkelig ikke mye av den faglige vektleggingen av det grunnleggende om tegning og maling, og jeg følte at utdannelsen min var ufullstendig. Senere fant jeg ut om Boston School-disiplene og deres tilnærming til tegning, som var basert på læren fra det franske akademiet. Denne tilnærmingen til tegning utviklet seg over hundrevis av år til å bli en veldig effektiv metode for å trene studenter til å se tydelig og tegne nøyaktig. Jeg studerte figurtegning under Robert Cormier, og det ble virkelig et vendepunkt i min evne til å uttrykke det jeg var ute etter.
Passerer brygga av Joseph McGurl, 2008, oil, 23 x 25. Samling Robert Wilson Galleries, Nantucket, Massachusetts. |
AA: Etter å ha studert figurtegning sammen med Robert Cormier, hva førte deg til sjangeren landskap?
JM: I mine yngre år malte, skulpturerte jeg, laget trykk og gjorde alle slags kunstprosjekter. Etter hvert trompet de typer kunst og materialer som ga meg mest tilfredshet de jeg fant mindre interessante. Jeg fikk de mest emosjonelle tilbakemeldingene fra landskap og bestemte meg for å ikke bruke tid på mindre fascinerende arbeid. Hvis jeg ikke er helt opptatt av det jeg maler, mister det spenningen, og jeg tror mangelen på lidenskap blir åpenbar. Selv om jeg liker tegning av figurer, var det virkelig et middel til slutt. Jeg ønsket å tegne bedre, og metoden som læres av kunstnerne i Boston School er den beste måten å gjøre det på.
AA: Hvor lenge studerte du kunst i England og Italia? Var det i løpet av denne tiden at du ble interessert i den tradisjonelle Old Master-tilnærmingen til maleri?
JM: Dette var sommerprogrammer jeg tok på college. England-turen var på University of London. Dessverre var ikke kunstavdelingen veldrevet og viste seg skuffende. Kunsthistorien var bedre. Den virkelige verdien var å gå til museene og se konstablene og turnerne. Jeg dro også til Holland for å se de nederlandske mestrene. Dette var da jeg forsto at jeg kunne lære så mye mer av å studere kunsten i museene. Turen til Italia ble kjørt av Boston University og var utmerket. Professor i kunsthistorie, Sam Edgerton, var en av de beste lærerne jeg noensinne har hatt. Nok en gang ble jeg opptatt av kunstverket på museene. Dette lærte meg at den beste måten å tilnærme meg kunsten var å lære av de som kom foran meg og prøve å fremme den litt mens jeg også utviklet min egen identitet.
AA: Kunstnere beundrer ofte kunstene dine for din evne til å fange lys og skape lys og atmosfære. Kunne du oppsummere hvordan du gjør dette, både fra et teknisk synspunkt og fra et mentalt synspunkt?
JM: De tekniske aspektene ved å male lys og atmosfære er ganske greie. Det kommer virkelig til å blande riktig farge og verdi for et bestemt sted i det illusjonære rommet i maleriet. Noen ganger vil jeg endre en passasje med en glasur eller en scumble. Jeg bruker også tekstur, eller mangelen på disse, for å definere rom og lys. Noe av det jeg lærte fra mestrene er at tykk maling hjelper med å føre gjenstander frem og får lette gjenstander til å virke lysere, så jeg vil ofte bruke dette “trikset”. Tynn, gjennomsiktig maling gir dybde til et maleri. Betydningen av nøyaktigheten av farge og verdi blir tydelig for meg når jeg ser en gjengivelse av et av maleriene mine. Noen ganger vil en bestemt farge eller verdi ikke reprodusere seg riktig, og den hopper ut av sin plassering i rommet.
Mentalt er det virkelig viktig å se for seg scenen i tre dimensjoner. Jeg har brukt år på å studere landskapet og prøve å forstå hva som skjer og hvorfor. For eksempel endres fargen på et objekt når den trekker seg annerledes på avstanden ved solnedgang enn den gjør ved middagstid. Ved å forstå hvordan plass og lys påvirker farge og verdi kan du overdrive eller minimere farger for å skyve dybden enda mer. Husk at du prøver å male et tredimensjonalt rom på en flat overflate, og solens lys med bare pigmenter, slik at du ikke bare kan male det du ser. Du må også male det du vet for å utnytte alle mulighetene.
Over sjøen av Joseph McGurl, 2007, oil, 24 x 36. Privat samling. |
AA: Vennligst beskriv forbindelsen din til sjøen, inkludert ditt "flytende studio", Atelier
JM: Jeg vokste opp på vannet og tilbrakte somrene på å bade, båtliv og utforske øyene og buktene i nærheten. Det er sannsynligvis psykologiske årsaker til at jeg har en så sterk tilknytning til havet, men det er også kunstneriske. Havet og kystlinjen har så mange sider av det som interesserer meg intellektuelt og visuelt om vår verden. Det er uendelig plass og fantastisk lys, som er hovedfagene i kunsten min. Det er ikke et statisk miljø. Solen, tidevannet, vindmønstrene og skyformasjonene endrer seg med minutt. Jeg trekkes også frem til utfordringen med å prøve å male havets dybde, refleksjon, gjennomsiktighet, vekt og bevegelse.
Jeg har malt fra båter siden jeg var tenåring. I begynnelsen av 20-årene jobbet jeg som yachtkaptein og har brukt malerfartøy siden da. Atelieren er den siste. Det er en 44 fot lang ketchrigget seilbåt. Det ble bygget i 1965 og har fine, klassiske linjer. Så mange moderne båter er stygge og ser mer ut som kjøkkenutstyr enn båter. Min familie og jeg tilbringer størstedelen av sommeren på å seile rundt i New England, og jeg maler veldig ofte fra ombord, eller tar jeg jollen til land og maler fra landet som ser ut. Seiling gir meg en bedre forståelse av faget mitt.
AA: Hva er din plein air-prosess? Hvor viktig er det for deg å lage studier og skisser på stedet, i motsetning til å bruke fotografier som referanser for atelierarbeidet ditt?
JM: Jeg prøver å skildre mitt svar på den virkelige verden - ikke en flat visuell fremstilling av den. Jeg prøver å male hele treet, til og med siden du ikke kan se. Jeg prøver også å male et levende tre som vil dø om vinteren og blomstre igjen om våren. Vitenskapen har lært oss at rom og tid ikke er statiske, og at det på subatomisk nivå er en vanvidd av aktivitet. Når jeg vet dette, kan jeg ikke male fra et bilde som er blottet for alle disse realitetene. Jeg prøver også å forstå naturen på en mest mulig fullstendig måte, og å studere den intenst mens jeg tolker den i maling er den mest effektive måten jeg vet å oppnå dette på. Utfordringen med å gå inn i feltet med bare malingene mine og komme bort med et nyttig bilde er også tiltalende. Noen ganger har jeg ikke nok tid til å fange en viss effekt, men det er bare slik det går. Det er vanskelig å stole på bare mine egne observasjoner, og det kan virke lettere å male fra bilder, men målet mitt er ikke å gjøre det på den enkleste måten, men på den beste måten. Som alle har jeg noen ganger tendenser til å være lat, og hvis jeg vet at jeg har et bilde for å sikkerhetskopiere meg, ser jeg kanskje ikke så hardt ut eller jobber så lenge på skissen som jeg burde.
AA: For de kunstnerne som ikke klarer å få et veldig ettertraktet sted i et av de to årlige verkstedene dine, vennligst gi dem en oversikt over hva du fokuserer på i et typisk verksted.
JM: Jeg prøver å hjelpe deltakerne med å se landskapet i mer forenklede termer og vise dem noen praktiske triks jeg har lært for å gjøre det lettere å male utendørs. Det er så mye informasjon å ordne opp. Jeg tror plein luftmaleri er den vanskeligste formen for kunst å mestre. I tillegg til de vanlige bekymringene med unnfangelse, komposisjon, tegning, verdi og farge, har plein luftmalere en uendelig mengde detaljer for å forenkle. Verdiområdet er ikke på langt nær nok til å male lysstyrken i solen eller dybden av en skygge, og hvordan maler man fem mils avstand, bevegelsen av bølger eller alle bladene på et tre? I tillegg skifter lyset konstant, det kan være varmt eller vind, solen er i øynene, og du må begrense forsyningene dine til bare det vesentlige.
På verkstedene mine starter jeg med en oversikt over maleriprosessen min og viser studentene mine malerutstyr og ting som har gjort prosedyren litt enklere. Deretter tar jeg opp gjennom demoer og kritikk noen av hovedproblemene de fleste deltakerne har med å male landskapet. Et eksempel er at de mister synet av at ethvert objekt har en bestemt form. En stein og et tre har lignende underliggende former. Den overfladiske overflateteksturen forvirrer elevene. Jeg diskuterer viktigheten av å se den virkelige formen til objektet og deretter tenke ut kortverdige måter å antyde strukturen til objektet. Jeg bruker også mye tid på lineære og atmosfæriske perspektiv for å hjelpe dem med å skape dybde i maleriet. Jeg vil vanligvis gjøre en demo om morgenen, og så jobber de med maleriene sine om ettermiddagen. Jeg tilbringer minst en demonstrasjonsøkt i studio som viser den mekaniske prosessen med å lage et studiomaleri ut av en skisse. Jeg viser også noen av de unike verktøyene jeg noen ganger bruker og diskuterer hvordan jeg har satt opp studioet. Denne demonstrasjonen inkluderer noen metoder for å manipulere maling, for eksempel glass, impasto og scraffito.
Fred av Joseph McGurl, 2008, oil, 24 x 36. Courtesy Tree's Place, Orleans, Massachusetts. |
AA: Tror du det er mulig å lære kunstnere å male på det ferdighetsnivået du har oppnådd? Er det overførbart, eller tror du det er noe du er født med?
JM: Jeg tror det er litt av begge deler. Du må ha litt talent, og du må ha litt trening. Du må også jobbe veldig hardt med det i lang tid. Akkurat som leger eller rørleggere må betale kontingent, gjør kunstnere det også. Når jeg ser tilbake på kunstverket jeg gjorde i 20-årene, var det virkelig ille, men det ble etterhvert bedre.
AA: Hvilke landskapskunstnere, fortid og nåtid, beundrer du?
JM: Tidligere artister inkluderer Frederic Edwin Church, Sanford Gifford, Worthington Whittredge, John F. Kensett, JMW Turner, Arthur Streeton, John Singer Sargent og Hugh Bolton Jones. For samtidskunstnere er Andrew Wyeth, Jamie Wyeth, Antonio López García, Don Demers, William Davis, Matt Smith, Marcia Burtt, Ken Auster.
AA: Hva inspirerer deg mest som kunstner? Hvor vender du deg for kreativ motivasjon?
JM: Jeg blir noen ganger inspirert av å se et show på et galleri eller museum. Når jeg maler utenfor med andre artister, blir jeg inspirert av hvordan de vil ta en annen tilnærming til den samme scenen. Også naturen i alle dens former - noen ganger med avtrykk av mennesket - er sannsynligvis den mest inspirerende måten for meg å bli begeistret for å male.
For å bli motivert kreativt går jeg bare på jobb. Noen ganger har jeg tenkt på et spesielt problem hele natten, og hvis jeg tror jeg har funnet løsningen, blir jeg spent på den kommende dagen. Andre ganger føler jeg meg ikke spesielt kreativ, men jeg må være produktiv. Jeg går på jobb og ofte kommer inspirasjonen etter en stund. Noen ganger ender disse opp med å være de beste dagene mine, og dagen går for raskt.
For mer informasjon om Joseph McGurl, besøk nettstedet hans på www.josephmcgurl.com.
Helg Med Mesterinstruktøren Joseph McGurl skal undervise i to mesterverksteder og holde en demonstrasjon under American Artist's Weekend With the Masters Workshop & Conference, 10. - 13. september, 2009. For mer informasjon, besøk www.aamastersweekend.com. |