Milt Kobayashi gir studentene tillatelse til å ta fullstendig kontroll over maleriene sine og ikke føle seg forpliktet til å male nøyaktig det de ser. I løpet av en nylig workshop oppmuntret han deltakerne til å endre modellens stilling, farge og kostymer for å passe til deres egne ideer.
av Molly Siple
Klassene hans handler mer om å lære å være åpne for muligheter og mindre om å avslutte uken med en ny liste over kunstneriske dos og don'ts. Som en student sa når han oppsummerte Kobayashis undervisningstilnærming, "Han gir oss tillatelse til å stole på oss selv."
Kunstnere som nylig har deltatt i et av Kobayashis workshops på Scottsdale Artists 'School oppdaget at det ikke er lett å ta malerivedtak basert på personlig smak snarere enn observasjon. Å gjøre det du vil er faktisk en lærd prosess. Læringen fant sted i hver av de fem dagene av workshopen, med morgenene viet til en tre timers demonstrasjon av Kobayashi, hvor han svært sjelden snakket. "Jeg lærer på den måten jeg vil lære av Sargent, " forklarte han. “Jeg vil at Sargent skal male og ikke bare snakke om det. Jeg skulle finne ut hva han gjør selv!”
Kobayashi hjalp en student styrke figurmaleriet hennes. |
Selv om Kobayashi mangler ord om sin filosofi om kunst, tilbyr han studentene mange muligheter, gjennom observasjon, til å fange seg inn i sin maleri.
Han gir også ledetråder om prosessen sin på den måten han svarer på spørsmål. På spørsmål om en spesiell blanding av farger som var en favoritt i et tidligere verksted, svarer han: "Å, det gjør jeg ikke lenger." Når en student ønsket å klype ham ned på måten han oppretter skygger eller maler hender, ga han svar som “Det fortsetter å endre seg”, eller “Jeg gjør det normalt, men ikke i dag.” Studentene forsto at de skulle holde seg i nuet, stole på det de ser og ta kunstnerisk kontroll over arbeidet sitt.
Kobayashi løslater studentene for å utforske og oppfinne på omtrent samme måte som kunstinstruktører som underviste i abstrakt ekspresjonisme på 1960-tallet plasserte maleriprosessen over fagstoff. Selve motivet - modellen iført et bestemt antrekk og plassert i en viss positur - var bare et utgangspunkt. Hvordan maleriet utviklet seg var basert på det kunstneren så på lerretet sitt. Om å male figuren sa han: "Mal hvordan du synes den skal se ut."
Kobayashis verk | |
Katteøyne 2003, olje, 8 x 8. Privat samling. |
Kjærlighet og japanske trykk 2004, olje, 16 x 20. Privat samling. |
Dag en av verkstedet startet med at Kobayashi hilste på det som føltes som et lite publikum av forundrende fans. (Klassen på 18 fylte ut de første 45 minuttene etter at registreringen ble åpnet.) Flere av studentene har deltatt på verkstedene hans i et tiår eller mer. De erfarne vennskapene Kobayashi har med mange snart blitt tydelige da rommet fylt av latter og prat. En student spurte: "Skal du fortelle oss om nye hemmelige farger du bruker?" Han kom straks tilbake med, "Hvis jeg visste, ville jeg ikke fortelle deg det." Dette ble sagt med et slu smil, da Kobayashi fjernet formelle barrierer mellom lærer og elever. Han gjorde seg selv og instruksjonen tilgjengelig, og fikk deltakerne til å føle seg som om de lærte av en veldig informert venn.
Alle Kobayashis demonstrasjoner fant sted i den ene enden av et langt, stort studio. Modellen tok sin plass i en vanlig hvit plaststol satt på en lav plattform. For å begynne med, tonet Kobayashi et 11 "-x-14" lerretbelagt bord med en blanding av mørkegrønt og okerpigment blandet med noe malingstynnere og linolje. Han påførte raske, faste streker, blandet dem og prøvde forskjellige komposisjoner ved å tegne en grunnleggende hode-og-skulder-kontur. Han advarte elevene om å forsikre seg om at hodet ikke var på linje med overkroppen fordi det ville være "altfor stivt", men å vippe det i stedet. Han prøvde også å skape variasjon innenfor posituren. “I enhver stilling er det en aktiv og inaktiv side. Jeg gjør den ene siden veldig rett og den andre skjev for kontrapunkt.”
Deretter plasserte han modellen for å matche det han hadde tegnet. Han vinklet hodet og brukte blyanten for å lede blikket hennes. "Slik jobber jeg, " forklarte han. "Jeg begynner med en ide om hvordan jeg vil ha maleriet, og så får jeg modellen sitte på den måten." På dette stadiet av den første tegningen begynte han også å finne posisjonen til hendene, og indikerte dem med enkle rektangler. Han prøvde ut flere stillinger, noe vilkårlige med tanke på anatomi og modellens stilling, men viktige med tanke på design. Han gikk ofte tilbake fra lerretet for å vurdere sammensetningen, deretter justerte han plasseringen og vinkelen på elementene, omplasserte for flyt, til han var fornøyd.
Mange av studentene (og kjæledyrene deres) hadde deltok på tidligere workshops med Kobayahshi og var kjent med hans tilnærming. |
For å definere formen på hodet, tegnet Kobayashi en sirkel for den øvre skallen, og la deretter til en slags trekant med en flat spiss - en snuteform for fronten av ansiktet. Hvis plasseringen ikke hadde virket riktig, kunne kunstneren flytte disse kort noterte formene. Han planla ansiktet med å indikere øynene langs buen der sirkelen kilet inn i trekanten. Munnen gikk i spissen av trekanten, og under den tegnet han en fremspringende sylinder som definerte haken.
Kobayashi godkjenner George B. Bridgman, en anerkjent anatomiinstruktør ved The Art Students League of New York, Manhattan, i mer enn 50 år, for denne tilnærmingen til å tegne figuren hvor den menneskelige formen er redusert til blokker kilt inn i andre blokker.. "Metoden hans var enkel og enkel, og blokkene viste retningen til de forskjellige elementene i kroppen, " forklarte han. "Denne tilnærmingen lar deg få skjelettet riktig uten å bekymre deg for mye for musklene - som fungerer for min slags maleri." Kobayashi anbefalte at studentene kjøpte kopier av Bridgmans bøker for referanse: Bridgmans komplette guide til tegning fra livet (Sterling Publications, New York, New York); Hoder, figurer og ansikter (Dover Publications, Mineola, New York); Constructive Anatomy (Dover Publications, Mineola, New York).
"Noen ganger er posituren jeg ønsker veldig vanskelig å holde, " forklarte Kobayashi. "Jeg tror dette kommer fra mine tidligere år med tegneserieskap, med å sette figurer i rare posisjoner." For å få bukt med dette problemet med å ha en modell med en vanskelig positur, jobber Kobayashi ofte fra Polaroid-fotografier av modellen.
"Før jeg får for mye tegning, liker jeg å male massene slik at jeg kan se hvor maleriet skal, " forklarte Kobayashi da han fortsatte demonstrasjonen. Han brukte en nr. 4 filbertbørste og hans standardpalett med jordfarger, inkludert en morfarge som svart eller en forblandet varmgrå, men ingen kadmium og sjelden hvit. Han favoriserer også Mars-seriens farger, men utover dette gir han ikke elevene en angitt palett med spesifikke pigmenter fordi favorittene hans stadig endrer seg. Ved hjelp av gul oker skisserte han hodet med slag i ulik bredde for å formidle form og dabbet inn verdier for øynene, nesen, munnen og ørene. Han stoppet et øyeblikk for å forsikre studentene om at de kunne leke med plassering av funksjoner.”Maleriet er virkelig en løgn. Alt du trenger å gjøre er å overbevise betrakteren om at maleriet stemmer.”Han skled seg deretter på en vill masse hår. Mens han malte, kommenterte Kobayashi: “Jeg prøver å male håret raskt og løst fordi håret er løst. Jeg minner meg om hva slags materiale jeg maler, så penselstrøkene uttrykker det.”
Studentarbeid |
Kobayashi unngår noe formell kritikk av studenten jobbe fordi i klassen det er ikke nok tid å bringe malerier til fullføring, og han føler å dømme dem ville være premature. Imidlertid over årene har Kobayashi sett en feil mest studentene lager: de er redde å bruke darks og starte maleriene deres med en midt tone som lager arbeidet deres virker gjørmete. |
Kobayashi kan også endre hårfargen. I denne demonstrasjonen malte han håret med Mars svart fordi “det tørker veldig svart.” Svart er en viktig del av Kobayashis palett, i tradisjonen til artister som Degas, Manet og Velázquez. Generelt sett foretrekker han elfenbenssvart fremfor kullsvarte, og når han vil at hår skal se veldig svart til, legger han til noe ultramarinblått.
Dernest taklet han kjøtttonene i ansiktet og nakken ved å bruke særlig gjørmete farger, som er en del av hans signaturstil. Han kan starte med Mars fiolett eller Mars gul, eller en varm monokrom av Holbein. Hvis noe svart pigment igjen i penselen hans fra å male håret, blandes det sammen med de andre fargene, desto bedre. "For meg er det noe galt med kjøttfulle, Band-Aid farger og rouge kinn, " kommenterte Kobayashi. “De kaster meg fra banen, og maleriet begynner å gå i en mer konvensjonell retning i stedet for å være en Kobayashi. Jeg føler meg friere når jeg bruker uvanlige farger.”Da han svarte på en elevs spørsmål om de spesifikke pigmentene som ble brukt i ansiktet, avslørte han moroa han har med å være ukonvensjonell. "Jeg planlegger en grå, stygg hudfarge - veldig død ute."
Han blokkerte i skyggen av øyestikket neste, etterfulgt av fargen på nesekanten og skyggen under leppen og på nakken. Han blandet blå, brent sienna og en gulaktig hvit til disse. Han liker for tiden også Holbeins Mars-oransje fordi “den ikke er for brun. Det varmer opp en lyseblå og gir en flott skyggetone.”Neste gang fylte han ut den utsatte delen av brystet nær halsen, men med en lettere verdi siden denne delen av kroppen vanligvis får mindre sol enn ansiktet. For Kobayashi er verdi viktigere enn farge. “Verdi begrunner maleriet ditt. Du kan deretter bruke hvilken som helst farge du ønsker."
Han vendte oppmerksomheten igjen mot hendene og lot modellen prøve forskjellige posisjoner. “Jeg er som en regissør. Jeg bruker mye tid på å posere hendene slik at de ikke er klemte eller har en for geometrisk form. Bøy håndleddet litt, ellers blir det for rett og ser ut som en tømmerstokk. Tenk på hvordan dansere holder hendene i posisjoner som gir bevegelse til formen. Jeg vil ha dem plassert grasiøst.”Han tar Polaroid-fotografier av modellens hender og bruker dem til å legge seg i de grunnleggende planene. Selv om han gjør hendene store, liker han å male armene mager for å gi mer handling til maleriene sine og for å lede betrakterens blikk ut og inn i bildet. Armene hans er tubelignende, bortsett fra når de hviler på en stolrygg, synker ned i møbeltrekket eller gir en mulighet til å skape en myk kant og en interessant form.
Kobayashi fortsatte med å dekke lerretet, legge i alle verdier og former. "På dette tidspunktet vil jeg vite hvordan alt henger sammen, " forklarte han. Han ba elevene deretter bestemme hvilken farge de skulle lage modellens bluse. Han foreslo en kul farge slik at ansiktsfargen ikke ville se søt ut. Studentene bestemte seg for lavendel, og Kobayashi blandet en periwinkle fra en kombinasjon av fiolett grå og rose. Han dekket deretter bakgrunnen med en varm beige ved hjelp av en nr. 8 børste og en palettkniv, og klippet inn i hårformen med bakgrunnsmaling. Han holdt denne fargen lys for å opprettholde silhuetten av figuren. Kunstneren sier at han unngår blått for bakgrunnen fordi det ser for mye ut som himmelen.
Gjennom denne oppleggingen var Kobayashis penselstrøk sikret og harmonisk. I forhold til dette hadde kunstneren et fascinerende tips til elevene sine: "Det er en rytme i maleriet som strekker seg fra paletten til lerretet, og størrelsen på beholderne du bruker for å holde løsemiddelet ditt og pigmenter kan påvirke dette, " rådet han. “Bruk store containere for å lage store slag. Jeg holder børster i en kaffekanne som holder malingen tynnere og bruker en tunfiskbok med lokket fjernet for linoljen. Større containere lar meg svinge børsten fritt rundt. Det er en kontinuerlig flyt ting. Jeg bruker ikke de bitte små koppene de selger til å holde olje. Å gjøre en liten dukkert med en børste i en av disse og deretter et stort slag på lerretet er en annen rytme.”
Etter at innleggingen var ferdig, avsluttet Kobayashi etappe av malingsprosessen på litt mer enn en time. "Fase to innebærer å rydde opp i tegningen, " forklarte han. Han ble våt-i-våt og jobbet i ansiktet igjen. "Nå tegner jeg det for meg." Han forandret verdiene, la noen Mars fiolett i kinnene og la vekt på neseprojeksjonen.
Under trinn to sto Kobayashi veldig nær lerretet for “seriøst maleri.” Studentene fikk se nøye gjennom kikkerten de ble bedt om å ta med malermateriellene sine. Han la til litt lys på den mørkere siden av ansiktet fordi, som han forklarte, "denne siden krummer seg inn i lyset, " og la en skygge til den lysere siden for å gjøre det lysere. Deretter fokuserte han på munnen, og hugget kanten med den tilstøtende kjøttetonen. Han detaljerte hendene. "Jeg tenker på de tre langfingrene på hånden som en kil med pink og tommel mer som aksenter, " kommenterte han. “Disse gir uttrykk for hånden.” Han malte tykke, svarte streker mellom fingrene for å definere dem. Han bemerket også en fargeendring ved håndleddet og malte ett plan en dyp rose. Men hendene var fremdeles flate og stiliserte, noe som minner om de grafiske hendene til den wienske ekspresjonisten Gustav Klimt.
På dette tidspunktet vurderte Kobayashi å legge et mønster til figurens bluse. Tro mot friheten han tillater seg i å male, laget han et design av dansende lapper med farger eller striper. Nå var personligheten til figuren frem. Da en student spurte ham hvem kvinnene i maleriene hans er, og om de har en melding, svarte Kobayashi saklig: Jeg er en stor tro på 'det er hva det er.' Dette er akkurat slik jeg maler kvinner. Jeg kan ikke forklare det.”
Kobayashi jobbet med mer detaljer da han gikk videre til trinn tre. Han bestemte seg for hvor han skulle plassere øyets elev - klokka 1 og høy for å åpne øyet - og for å gi litt tekstur til eleven, anbefalte han å bruke en tyktflytende håndlaget maling som Doak eller Harding og dyppe spissen av børste inn pigmentet. Deretter justerte han vippene og øyenbrynene og la til munnen - den mest uttrykksfulle delen av ansiktet fordi det alltid endrer seg. “På dette stadiet sjekker jeg også hvordan ett hjerneslag fungerer med et annet. Jeg vil at overflaten skal se attraktiv ut.”Han beskriver sin signaturpenselstrimmel som 'rundere' og foretrekker derfor modeller med et fyldigere ansikt.
Etter en pause til lunsj, returnerte workshopdeltakerne til studioet for å oppdage tre modeller som poserer i forskjellige områder i rommet. De begynte å male kvinnene, og Kobayashi turnerte i rommet med en god form, den grafiske flatheten i et design eller håndteringen av farger. Han forklarte at han ville snakke høyt når han kritiserte hver enkelt maleri, slik at de som har lignende problemer kunne dra nytte av tilbakemeldingene hans. En student hadde problemer med det rosa av en satengkjole som en av modellene hadde på seg, så Kobayashi viste henne en gjengivelse av et Sargent-maleri der han hadde håndtert sateng. Så hjalp han eleven med å finne den grunnleggende fargen på stoffet klassemodellen hadde på seg og malte det først før han la til skygge og fremheve farger. Han husket også tiden da han skannet et Sargent figurativt maleri inn i datamaskinen sin og slettet digitalt de få mørkeste områdene og høydepunktene for å oppdage at mesteren mest var avhengig av bare to verdier for å skildre formen.
For en annen deltager gravde han opp en spansk kam og plasserte den i modellens hår for å utfylle bakgrunnen eleven hadde malt. Mens ettermiddagen gikk, var alle opptatt av arbeidet sitt. Maleri føltes plutselig morsomt da Kobayashi brøt studentene fri fra modellstudiet og oppmuntret dem til å lage sine egne originale malerier.
I løpet av workshopen bygde Kobayashi en varm rapport med studentene sine. Den siste dagen hadde noen med seg en skomaker og is for å dele, og Kobayashi ga studentene klemmer før de gikk videre.